패션과 예술의 협력

패션과 예술 사이의 많은 협력의 중심에 있는 상업과 소비자 윤리는 20세기 후반과 21세기 초에 더욱 두드러지게 되었다. 가와쿠보의 패션에 대한 엄격한 지적 접근은 의심의 여지가 없지만, 그녀가 어떻게 성공적으로 예술가들 사이의 잠재적인 관계를 협상했는지를 보는 것은 흥미롭다. 소비, 패션, 소비 피터월렌은 이러한 상호 연결에 대한 일본인 디자이너들의 접근 방식을 '전체 환경'의 일부로 옷을 디자인하려고 노력하는 비너베르크스아티스트들의 접근 방식과 비교했다. 이 환경은 아마도 가장 중요하게도 가르송 드 가르송의 디자인 미학을 위한 사원이 된 소매 공간과 지속적인 협업의 장소를 포함한다. 미래의 시스템을 포함한 일류 건축가들은 뉴욕, 도쿄, 파리에서 그녀를 위한 부티크를 설계했습니다. 바우하스 디자이너 허버트 바이엘의 선구자적인 프레센을 언급한 바르샤바 게릴라 상점의 디자인과 같은 상징적인 현대 미술 작품들이 전시되어 있다. 1930년 프랑스 인테리어 디자이너 협회 연례 전시회 독일 부분의 벽에 고정된 동일 의자의 장식이다. 아그네스 B를 포함한 다른 디자이너들과 마찬가지로 가와쿠보는 그녀의 부티크에서 전시회를 열기 위해 상업적인 소매 공간과 갤러리 사이의 이러한 애매 모호함을 택했습니다. 도쿄의 코메 데 가르손 백화점에서는, 전시품들이 신디 셔먼의 사진을 포함하고 있는데, 이 사진들은 패션 행위를 미화하고 있다. 이러한 전시회는 새로운 것이 아니다. 예를 들어 뉴욕의 백화점인 로드 앤 테일러는 1920년대 말에 아트 Deco에서 전시회를 연 반면 런던의 셀프리지는 1930년대 헨리 무어의 작품을 보였다. 그러나, 세기 말에 이르러서는 특히 몸과 몸을 다루는 예술가와 디자이너의 작업 내에서 두 영역 사이의 연결이 더욱 복잡해졌다. 21세기 초에 예술과 패션의 관계는 문화적 가치와 잠재 의식적 욕망을 드러내는 것처럼 걱정스러운 채로 남아 있다. 패션의 예술과 예술 사이의 선은 더 편안해 졌지만, 각각의 패션이 보여지는 공간들 사이의 차이점들 또한 더 편안해 졌다. 상점, 미술관, 박물관들도 이와 유사한 접근법을 채택하여 각각의 상점, 미술관, 미술관들에 붙어 있는 예술, 패션, 문화적 칭찬을 전시하고 통합했다. 예를 들어, 루이 비통은 리차드 프린스의 프린트로 장식된 2008년 핸드백 컬렉션의 출시를 후원했다. 파티는 뉴욕에 있는 구겐하임 미술관에서 열렸으며, 프린스의 전시회의 마지막 밤에 일부 언론으로부터 상업적 후원과 유행의 첨단 이는 예술과 패션이 불가분의 관계에 있지만, 어떻게 예술과 패션이 근접하게 접근했을 때 만들어진 비교에서 이득을 얻거나 잃을 수 있는지를 보여 주었다.

미우치아 프라다는 이러한 교차 현상을 조사하는데 매우 적극적이었다. 1993년, 그녀는 예술을 지원하고 장려하기 위해 폰다지오네 프라다를 설립했다. 그녀는 또한 렘 쿨하스를 포함한 건축가들에게 그녀를 위한 상징적인 '미식가'가게를 디자인하도록 위임했다. 뉴욕 소호에 있는 그녀의 가게에 있는 안드레아스 구르스키의 거대한 사진을 포함한다. 구르스키의 작품이 소비자 문화를 자주 비판해 왔다는 사실은 프라다의 사진 전시회에 역설적인 우위를 더해 준다. 따라서, 건축가, 예술가, 디자이너는 지식과 자각으로 제시되어 패션, 예술 및 건물을 만들고 동시에 이러한 관행에 대해 논평한다. 미우치아 프라다와 패션과 예술의 복잡한 관계는 그의 전시회에서 가장 잘 표현되었다. 쿨하스 건축 팀에 의해 디자인된 이 전시회는 2005년 상하이의 평화 호텔과 같은 장소에서 열렸다. 이 전시회는 실험적인 전시 법을 사용했다. 재미 있다. 프라다의 재무적 통찰력과 세계적인 성공은 그러한 혁신적인 디자인이 가능하게 해 주었고, 그녀의 예술과 디자인 분야에서의 연결은 그것의 실현을 촉진시켰다. 2006년 관광 박람회인 와이스트 다운에는 프라다 스커트의 창의적인 전시회가 포함되어 있었다. 그러나 프라다 자신은 이러한 연관성의 모호함에 흥미를 느끼는 듯 보였지만, 이것이 패션과 예술을 어떻게 연관시키는지에 대해서는 의견이 엇갈렸다. 전시회가 2006년 뉴욕 부티크에 갔을 때 그녀는 기자 칼 스완슨에게 '상점은 예술이 있었던 곳'이라고 말했지만 전시회의 위상에 대해서는 이의를 제기했다. 그리고 다른 작업들은 그녀의 전염병 상점에 전시되었다. 실험 장소입니다. 하지만 전시회가 가게에 있는 것은 우연이 아니다. 왜냐하면 그것은 주로 제 일에 대해 논의할 것들을 가게에 더 많이 넣는다는 생각에서 시작되었기 때문입니다. 그것은 일에 대한 설명과 같다. 예술과 관련된 것은 전혀 아닙니다. 그냥 가게를 더 재미 있게 만들기 위해서야. 이러한 모순은 패션과 예술의 관계의 핵심에 있다. 예술가들과 패션 디자이너들 간의 협동은 흥미로운 결과를 만들어 낼 수 있지만, 그러한 작품이 어떻게 인식되는지에 대해 양측 모두에게 불편함이 있을 수 있다. 시각 문화의 중요한 측면으로서, 패션과 예술은 몸, 아름다움, 정체성에 대한 아이디어를 대표하고 구성한다. 그럼에도 불구하고, 예술의 상업적인 면은 패션에 가깝다는 것으로 드러나고, 패션은 예술에 중력을 제공하기 위해 예술을 이용하는 것처럼 보일 수 있다. 이러한 크로스 오버 프로젝트를 통해 각 매체는 소비자 중심적이고 개념적이며 의미 있는 표면 표시일 가능성이 있다는 것이 밝혀졌다. 패션과 예술을 하나로 묶어 주고, 그들의 관계에 흥미로운 긴장감을 더하는 것은 이러한 유사점들이다.