먼스 아트 같은 현대의 발전

18세기에 패션이 계절적으로 변하기 시작하면서 예술과 패션의 관계는 더욱 복잡해졌다. 조슈아 레이놀즈와 같은 일부 초상화 주의자들은 장수를 위해 노력하고 그 시대를 초월하는 그림을 그리기를 원했다. 패션은 이러한 야망을 방해하는 것처럼 보였다. 패션은 그림이 창조되던 시대로 되돌아가게 했다. 계절적 요인이 없었다면 스타일이 해마다 바뀌었기 때문에, 초상화는 정확하게 데이터를 얻을 수 있었다. 반 다이크와 그의 여동생들의 경우는 화려한 드레스에 대한 재미 있는 관심의 일부였지만 레이놀즈에게 패션에서 벗어나 다른 대안을 제시하는 것은 진지한 시도였다. 후세를 위한 초상화의 적절성을 강조하다 따라서 그는 그의 예술에서 패션을 지우려고 노력했고, 상상 속에 있는 직물로 그림을 그려 이 그림을 고대 국가에서 볼 수 있는 고전적인 조각과 연관시켰다. 레이놀즈의 의도를 방해하는 신체와 아름다움이 어떻게 인식되는지를 형성하는 패션의 힘. 비록 그가 자주 그린 드레스는 평범하지만, 그가 선호하는 길고 좁은 실루엣과 마찬가지로 18세기의 마지막 분기에 유행이 많았다. 그 보모의 바람도 그의 단정한 눈을 방해했다. 여성 고객들은 종종 깃털이 달린 높은 가루 가발을 쓰고 고집했다. 그들의 얼굴은 또한 흰 가루로 되어 있었고, 볼은 유행에 민감하게 장식되어 있었다. 유행하는 것으로 보이고 싶은 베이비 시터의 이런 결합과 시대의 지배적인 시각적 이상에서 벗어나는 화가의 어려움은 'po'를 그리는 것이 거의 불가능하다는 것을 의미했다. 앤 홀랜더는 자신의 책에서 옷을 통해 보는 것을 제안했다. 문명화된 서양 생활에서 의복을 입은 인물은 현실보다 예술에서 더 설득력 있고 이해할 수 있게 보인다. 그렇기 때문에, 옷이 눈에 들어오는 방식은 옷을 입은 사람들의 사진으로 만들어진 최근의 시각적 가정에 의해 조정된다. 홀랜더는 의복을 입은 몸만이 예술에서의 표현을 통해' 배움' 되는 것은 아니라고 주장한다. 작가들의 비전은 현대적인 패션에 의해 훈련되고, 누드화가 그려질 때도 몸의 모양과 표현 방식이 유행하는 패션에 의해 조절된다고 주장했다. 이상을 없애다 15세기 크라나흐의 작고 높은 가슴과 낮은 위, 1630년대에 완성된 루벤스의 3대 그라이트, 고야의 옷과 누드 마자 유행하는 실루엣이 신체를 묘사하는 방식에 미치는 영향 각각의 경우에, 코르셋, 패딩, 그리고 과도한 운동에 의해 재생된 옷을 입은 몸의 모양이 나체상에 부과된다. 따라서, 초상화와 패션 사이의 관계는 깊게 내재되어 있고, 주어진 시간에 시각 문화의 상호 연관성을 보여 준다.

이 상호 관계는 19세기에 좀 더 명백해 지기 위한 것으로, 세잔느, 데가스, 모네와 같은 예술가들은 그들의 여성 인물과 그들이 입는 옷을 위한 템플릿으로 패션 플레이트를 사용한다. 많은 사람들이 이미지를 통해 패션을 보기 때문에 그림, 그림, 패션 플레이트, 또는 그 이후의 사진들은 예술가처럼 옷 입은 몸을 이해하도록 지도 받는다. 이런 표현으로 봤을 때 말이야 실제로, 아일렌 리베이로는 이 아이디어를 더욱 발전시켜 위탁과 구매 예술에 관련된 물질 주의를 제안했다. 19세기 후반에 들어서서, 그리고 찰스 프레드릭 워스와 같은 지도자들에 의해 동등하게 많은 금액이 청구되었다. 리베이로는 이것의 증거로 인용한다. 1878년 그녀의 책 드레스에서 마가렛 올리판이 관찰한 바에 따르면,'그림 뒤에 옷을 입고 옷을 살 때'그림을 그릴 건가요.' 아마도 패션과 그것의 표현 사이의 이 모호한 선의 가장 주목할 만한 예는 1856년에서 1895년 사이에 피에르 루이 피에르 손에 의해 찍힌 400장 이상의 사진들의 수집이다. 버지니아 베라시스, 캐스티글리언 백작 부인. 그녀는 옷 입고, 스타일하고, 포즈를 취하는 데 적극적인 역할을 했다. 그래서 그녀는 패션을 통해 그녀의 발표를 통제하고 사진 속에서의 그녀의 표현을 통제하면서 예술가로서의 역할을 스스로 맡았다. 19세기 중반에 그녀가 공들여 꾸민 드레스는 패션 사진처럼 행동하는 반면, 패션 이미지의 소관을 넘어 옷 입는 개인의 관계를 형성한다. 캐스티글리온은 자신이 각각의 사진에서 공연을 하고 있다는 것을 알고 있었고 스튜디오 환경이나 발코니 같은 적절한 환경에서 공연을 했다. 그녀는 자신이 인식되고 자신의 몸이 보여지는 방식을 규정하고 구성하기 위해 옷을 사용하는 '자기 패션'의 힘을 보여 주었다. 피에르 아프라신과 자비에르 데마르게 주장한 바와 같이, 패션과 예술 사이의 상호 연관성은 다양한 정체성을 가진 실험을 가능하게 하는 강력한 도구였다. 카운데스 캐스티글리온은 19세기 중반의 수많은 사진들에서 그녀 자신의 이미지를 창조했다. 캐스티글리온이 자신의 몸을 사용하는 것, 즉 예술의 근본적인 원천인 자신의 몸을 사용하는 것, 그리고 자신의 대중적인 외모를 조절하는 방식 보디 아트나 퍼포 패션이 시각 문화에서 차지하는 중요한 역할, 실제 의상과 예술과 잡지에서의 그것들의 표현 사이의 불가분의 관계를 의미하는 것은 예술가들이 그 힘에 대해 모호한 경향이 있었다. 윈터헬터와 존 싱어 사전트를 포함한 초상화가들이 그들의 시터의 스타일을 만들고 그들의 시터의 지위와 성격을 제안했다. 라파엘 전파, 거부된 패션은 아름다움, 스타일, 그리고 맛의 이상을 가지고 있다. 1870년대에, 유행하는 신체의 제한적인 정의에 대한 대안을 제공하는 미학적인 복장 운동이 나타났는데, 특히 여성의 보디를 성형하는 데 있어서 코르세트의 역할이었다. 남성과 여성은 대신에 헐렁한 역사적 스타일로 변했다. 그러나 예술가들과 미술에 관심이 있는 사람들이 패션에 반대하는 다른 스타일로 옷을 입을 수 있다는 생각을 잘 표현했음에도 불구하고, 미학적 드레스 자체는 유행이 되었다. 그들이 현대적 경향을 거부할 수도 있지만, 그들의 의상에 대한 그들의 연구된 무관심은 패션이 어떻게 인식되는지 그리고 패션에 있어서 의상의 힘을 암시한다.