조합 및 표현

20세기 동안, 예술과 패션 사이에는 수많은 상호 간의 협력과 협력이 있었다. 하우테 쿠타의 발전된 미적 감각은 장기적인 성공을 보장하기 위한 강력한 사업 관행을 창출하기 위한 개인 디자이너들의 시각과 압력과 발전된 공예 기술을 결합했다. 관광객들은 현대적인 아름다움에 관련된 그들의 디자인 하우스의 정체성을 확립하려고 노력했고, 이것은 그들이 반드시 시각적인 조언과 영감으로 현대 미술을 바라보게 했다. 폴 포이렛의 손에서, 이것은 이국적인 개념에 대한 탐구를 의미했습니다. 그리고 마티스처럼, 그는 모로코로 가서 채색하고 형성하는 서양의 접근법에 대한 대안을 찾았습니다. 컬러가 풍부한 평면에 대한 포이렛의 환상, 모자를 씌운 바지, 느슨한 튜니즘은 여성성의 이상에 기여했는데, 그 이상적인 것은 19세기 후반 포이렛과 그의 아내 데니스는 자신들의 악명 높은 '천과 두번째 밤'파티에서 소파에 기대고 있는, 직교한 옷을 입고 사진을 찍었다. 포이렛의 디자인과 함께 보았을 때, 이 이미지들은 그의 고급스러움과 퇴폐적인 느낌을 주었다. 중요한 것은, 그들은 또한 그의 옷 중 많은 부분을 뒷받침하는 역사적인 언급에도 불구하고, 그를 불평하지 않는 현대적인 옷으로 자리를 잡았다는 것이다. 포이렛은 해외에서 성공적으로 판매될 수 있는 디자인을 생산하는 한편, 예술가의 개인적인 창의력이라는 개념에 기초한 자신의 이미지를 배양할 필요가 있다는 것을 알았다. 특히 미국에서는 그의 작품은 다른 요리사들과 마찬가지로, 단일 고객을 위한 일회성 의상의 수요 사이에서 균형을 이루어야 했는데, 그것은 미술의 진품과 더 많은 공통점을 가지고 있었다. 제조 업체에 의해 국제적으로 판매되고 복제될 수 있는 디자인을 만드는 것의 필요성. 포이렛은 예술적 이미지를 유지하기 위해 노력하고 발레스 루세와 같은 영향력을 행사했지만, 또한 안녕에 대한 인식을 높이기 위해 체코 슬로바키아와 미국으로의 홍보 여행을 시작했다. 더 넓은 관객들 사이에서 디자인된 거죠. 낸시 트로이는 20세기 첫 수십년간 훌륭한 미술 연습과 고급스러운 의상 디자이너 사이의 미묘한 관계에 대해 썼다. 그녀는 대중 문화와 엘리트 문화 사이의 점점 더 불분명해 지는 선에 대한 반응으로서, 따라서 진정한 문화를 형성하는 것 사이의 차이점에 대한 각 분야의 변화를 확인했다. 생식을 제한하다 그녀가 지적했듯이, 디자이너들과 예술가들은 통상과 상품 문화의 부패하는 영향력을 탐험하고, 통제하고, 채널을 돌리려고 노력했다.

관광객들은 이러한 문제들을 관리하는 것과 현대 미술의 영향력을 디자인에 접목시키는 것 모두에 대해 다양한 접근법을 가지고 있었다. 포이렛의 작품은 활기 차고, 종종 충돌하는 색깔의 영향과 연극적인 자기 표현에 대한 강조 아래 번창했다. 그러므로 그가 예술가들과 직접 협력했을 때, 마티스와 Dufy가 만든 직물 디자인에 있었다는 것은 놀라운 일이 아니다. 일류 아방가르드 예술가들과 패션 안에 있는 그들의 동등한 예술가들 사이의 그러한 관계는 자연스럽고 상호적으로 이로운 것처럼 보인다. 각각의 팀은 그들의 생각을 생각하고 제시하는 새로운 방법을 탐구하면서 실험을 할 수 있었다. 각각의 문화는 시각 자료와 결합하기 위해 현대 문화의 다른 형태와 결합하여 잠재적으로 이득을 보았다. 엘사 쉬아파렐리는 더 많은 공동 작업을 했는데, 가장 유명한 것은 살바도르 달리와 장 코티우와의 작업을 통해서였다. 이러한 연결은 달리의 '바닷가재'장식 드레스를 포함한 초현실주의 교의 의상을 만들어 냈다. 이것은 여성성에 대한 운동 사랑과 여성성에 대한 복잡한 관계를 신체적 영역으로 가져왔고, 스키아파렐리의 착용자들은 그들의 몸을 예술에 대한 진술로 바꾸었다. 마들렌 비오네트는 조각화된 표현에 영감을 받아 옷의 3차원 평면을 기술적으로 탐구하는 과정에서 현대 미술의 발전에 관심을 보였다. 이탈리아의 미래 양식 에르네스토 테이아흐트와의 연구는 그의 우주 실험과 신체와 직물의 관계에 대한 그녀의 염려 사이의 역동적인 결합을 보여 주었다. 그녀의 디자인을 담은 그의 패션 플레이트들은 이러한 연관성을 분명히 보여 주었고, 그녀의 디자인은 여성성의 미래 주의적 이상으로 나타났다. 모델들의 몸과 옷은 그들의 3차원을 보여 줄 뿐만 아니라 그들의 움직임과 내재적인 현대성을 나타내기 위해 골절 되었다. 만약 포이렛의 예술과의 연관성이 디자인 표현의 럭셔리함과 자유로움에 대한 그의 욕망을 통해서였다면, 비오네트의 것은 신체를 표현하는 새로운 방법의 일부였다. 테드. 그들의 디자인의 복잡함에도 불구하고 두명의 사기꾼은 또한 널리 복제되었다. 제조업자들의 낭비적인 작품 사용에 대한 우려는 현대 패션(그리고 실제로 예술)에 내재한 모순을 드러냈다. 트로이가 보여 주었듯이, 위기에 처한 것은 단순히 예술적 진실성의 이상일 뿐만 아니라, 복제는 또한 그들의 사업을 손상시키고 수익을 위태롭게 할 수 있다. 예술과 패션이 상업 세계로 진출하는 추세를 감안할 때, 예술가들과 디자이너들이 협업을 위한 또 다른 장소로서 기성복을 고려하는 것은 불가피했다. 그러한 프로젝트들은 두 분야 사이에 긴장감을 불러 일으켰고, 산업과 금융에 대한 그들의 관계를 표면화시켰다. 이는 1920년대 러시아 건설업자 바바라 스테파노바의 디자인에서 보듯이 예술이 대중의 삶을 바꿀 수 있다는 정치적 믿음을 통해서도 가능하다. 그녀의 동 시대 사람들의 대부분은 그것의 동질성 때문에 패션을 피했지만, 그녀는 자본주의와 기업과의 문제가 있음에도 불구하고, 그것이 반드시 합리적이 될 것이라고 느꼈다. 그녀가 소련에서 '일상 생활'이라고 인식하는 나의 방식. 따라서 그녀는 동료 건설업자들과 결별하고 다음과 같은 말을 했다. 패션이 제거될 수 있다고 생각하거나 불필요한 영리 보조물이라고 생각하는 것은 잘못된 것이다. 패션은 쉽게 이해할 수 있는 방식으로 특정 기간에 두드러지는 복잡한 선들과 형태들, 즉 시대의 외부 속성들을 보여 준다. 패션은 넓은 공동체와 보다 직접적으로 연결될 수 있기 때문에, 대중적인 영역에 자신의 작품을 연결하기를 원하는 예술가들에게 이상적인 매개체가 되었다. 이것은 무엇보다도 피카소가 디자인한 재치 있는 판화에서 보여지듯이, 20세기 초에 포이렛에 의해 확립된 전통에서 따를지도 모른다. 1950년대, 그리고 ClaireMcCardell을 포함한 디자이너들에 의해 사용되었습니다. 1980년대 초, 비비안 웨스트우드의 그래피티 예술가 키스 해링의 작품은, 예술가들과의 협력에 더 가까웠다. 각각의 사례에서, 그들의 공동 작품은 웨스트 우드와 헤링의 예에서 공통의 관심과 의도를 보여 주었으며, 거리 문화와 몸에 대한 도전적인 아이디어가 옷으로 바뀌었다.