패션은 학문적 이론에서부터 가구 디자인, 춤 스타일에 이르기까지 어느 분야에서나 일어날 수 있다. 그러나, 특히 독특한 형태의 의류에서 패션을 언급하는 것이 일반적으로 받아들여진다. 그리고 이 매우 짧은 소개에서, 나는 산업화로서 패션이 기능하는 방법을 탐구할 것이다. 그리고 어떻게 그것이 더 큰 문화적, 사회적, 경제적 문제들과 연결되는지. 1960년대부터 본격적인 학문적 논쟁의 주제로 패션이 등장하면서 패션은 이미지, 물체, 텍스트로 분석되었다. 그 이후로 그것은 많은 중요한 관점에서 검토되어 왔다. 이 연구의 학제간적 성격은 역사적, 사회적, 정치적, 경제적 맥락뿐만 아니라 성, 성, 성, 민족, 계급이다. 롤랜드 바르테스는 그의 기호학적 분석에서 이미지와 텍스트의 상호 작용과 관련하여 패션을 연구했다. 1967년의 패션 시스템과 195개의 텍스트를 모아 놓은 "언어"가있다. 1970년대부터 문화 연구는 패션과 정체성을 탐구하는 플랫폼이 되었다. 유행은 청소년 문화와 관련하여 진화했다. 1985년, 엘리자베스 윌슨의 책 꿈에 맞는. 패션과 현대성은 여성 주의적 관점에서 패션의 문화와 사회적 중요성에 대한 중요한 주장을 보여 주었다. 앤 홀랜더와 에일렌 리베이로의 작품에서 요약되듯이, 미술 역사는 패션과 시각 문화의 상호 연결 방식에 대한 면밀한 분석을 가능하게 하는 중요한 방법이었습니다. 예를 들어 박물관 소장품의 의복을 살펴봄으로써 옷의 절단과 구성에 대해 면밀하게 연구한 자넷 아놀드가 박물관의 접근법을 취했다. 다양한 역사적 접근법은 패션 업계의 특성과 특정 상황별 문제와의 관계를 검토하는 데 중요했다. 이 지역은 사업적인 관점에서 비버리 르미르의 작품들, 그리고 크리스토퍼 브루워드의 작품들, 문화적 역사와 관련된 것들을 포함한다. 1990년대 이후로, 사회 과학의 학자들은 패션에 특히 관심을 갖게 되었다. 캐롤라인 에반스, 이런 접근법들 사이를 넘나드는 인상적인 학제간 연구도 매우 중요하다. 대학과 대학에서의 패션 연구는 똑같이 다양했다. 디자인 과정의 학문적 구성 요소로 예술 학교에 집중되어 왔으나, 예술사에서 인류학으로, 그리고 지하에 있는 전문 과정으로 확대되어 왔다.
이러한 학문적 관심은 시드니의 파워 하우스 박물관, 뉴욕 메트로폴리탄 박물관의 코스투메 연구소를 포함한 수많은 중요한 패션 컬렉션을 소장하고 있는 박물관으로까지 확대된다. 교토 박물관 패션에 대한 전통적인 연구는 수많은 중요한 전시회를 만들어 냈고 그러한 전시회에 참석하는 수많은 방문객들은 패션에 대한 광범위한 관심을 증명한다. 중요한 것은 전시회가 큐레이터들의 전문 지식, 현재의 학문적인 생각, 패션의 중심 핵심, 의복 그 자체, 이미지들 사이에 쉽게 접근할 수 있는 연결을 제공한다는 것이다. 패션에 대한 우리의 생각을 창조하는데 도움이 된다. 거대한 국제적인 패션 산업은 르네상스 이래로 발전해 왔다. 패션은 통상적으로 이 시기에 시작되었다고 생각된다. 무역과 금융의 발전, 인간 주의적 사고에 의해 야기된 개성에 대한 관심 그리고 계급 구조의 변화의 결과로서. 더 넓은 범위의 사람들이 달성할 수 있는, 시각적 표시를 바람직하게 만들었다. 패션에 대한 정보의 전파, 여행하는 행상인, 서신, 그리고 17세기 후반까지 패션 잡지의 개발은 패션을 더욱 눈에 띄게 만들었다. 바람직한 패션 시스템이 발전함에 따라, 그것은 새로운 디자이너들과 공예가들을 교육하기 위하여 나중에 대학 과정들, 손으로 또는 나중에 공장에서, 제조하는 것으로 성장했다. 타일과 패션 디자인, 소매업, 그리고 광고에서 스타일링과 패션 쇼 제작에 이르기까지 다양한 홍보 산업. 패션의 속도는 18세기 후반에 가속화되기 시작했고, 19세기 후반 산업 혁명이 절정에 달했을 때는 다양한 차이를 포함하도록 성장했다. 이 시점에 이르러, 각각의 고객들에게 맞는 의상을 입은 고급 패션 형태인 하우트 쿠기는 프랑스에서 진화했다. 관광객들은 디자이너가 손으로 만든 옷뿐만 아니라 특정한 시기에 유행하는 것에 대한 아이디어를 만드는 사람이라는 개념을 결정화하기 위해서였다. 루실과 같은 중요한 초기 대화 당사자들은 그녀에게 전문적인 마네킹에 대한 정교한 디자인을 제시함으로써 그녀의 디자인 하우스에 대한 더 많은 홍보를 하기 위해 패션 쇼의 가능성을 탐구했다. 루실은 또한 패션의 또 다른 중요한 가닥, 즉 빠르고 쉽게 많은 옷을 생산할 수 있는 성장하는 기성복의 잠재력을 보았다. 훨씬 더 많은 청중에게 호감이 가지 않는 루실의 미국 여행은, 그녀의 디자인을 팔고, 심지어 인기 있는 패션 칼럼을 쓰는 것도, 명품 스타일과 유행을 선도하는 리드미드계의 발전을 강조했다. 비록 파리가 높은 패션의 이상을 지배했지만, 전 세계의 도시들은 그들만의 디자이너와 스타일을 만들어 냈다. 20세기 후반, 패션은 진정한 세계화가 되었고, 에스프리와 버버리 같은 거대한 브랜드들이 전 세계에 팔렸으며, 서양 밖에서 유래한 패션에 대한 더 큰 인식도 높아졌다. 패션은 단순한 옷이 아니라 단지 이미지의 모음도 아니다. 오히려, 그것은 사회와 문화 생활에서 중요한 역할을 하는 시각적이고 물질적인 문화의 역동적인 형태이다. 그것은 개발 도상국의 상위 10개 산업 중 하나인 주요 경제력이다. 그것은 우리의 몸을 형성하고, 우리가 다른 사람들의 몸을 보는 방식을 형성합니다. 그것은 창의적인 자유를 가능하게 하거나, 아름답고 받아들일 만한 것으로 여겨지는 것을 지시할 수 있다. 그것은 중요한 윤리적, 도덕적 문제를 제기하고, 예술과 대중 문화와 연결된다. 비록 이 매우 짧은 소개가 여성 취향에 초점을 맞추고 있지만, 패션 디자인의 주요 분야로서, 그것은 또한 중요한 남성복의 다양한 예를 고려한다. 그것은 패션이 어떻게 발전해 왔는지 보여 주기 위해 19세기 이전의 중요한 전조를 언급하는 한편 패션 발전의 후기 단계에 초점을 맞출 것이다. 그것은 서구 패션을 주요 패션 산업으로 간주할 것이지만, 똑같이 이러한 지배에 의문을 제기할 것이고 다른 패션 시스템들이 어떻게 발전해 왔고 어떻게 중첩되었는지 보여 줄 것이다. 독자들에게 패션 산업의 상호 연결된 분야를 소개하고, 패션이 어떻게 디자인, 제작, 판매되는지를 보여 주며, 우리의 사회 문화와 연결되는 중요한 방법을 살펴보겠다.